L’installation YOU, ME & YOU est centrée sur une vidéo de longue durée qui a été segmentée en émissions de deux ou trois heures, chacune n’étant présentée qu’une seule fois en cours d’exposition; si vous en ratez une, vous l’avez ratée pour toujours. Annie Gauthier et Milutin Gubash forment un couple. Dans le travail qu’ils font en collaboration, ils s’intéressent au récit, à la performance et aux interactions qui découlent du processus de création. Pour cette œuvre, les artistes prennent leur propre vie comme point de départ, révélant et analysant leurs expériences au fur et à mesure qu’ils les vivent, en solitaire, ensemble ou avec des collègues du milieu de l’art. Dans des séquences représentant, condensant ou reconstituant une journée ou une nuit, ils flânent, vont voir des expos, restent au lit, jasent, s’engueulent, baisent, dorment, rêvent et se rappellent/racontent leur histoire commune.

Annie et Milutin tiennent à ce qu’on les voit quand ils sont idiots aussi bien que sérieux, tendres aussi bien qu’amers, quand ils sont drôles et quand ils sont cons; ils se montrent ainsi tels que nous le sommes tous, vulnérables. Comme l’indique le titre de l’œuvre, le spectateur est absorbé par leur relation. Il ne peut se protéger de cette étreinte franche derrière le cynisme ou l’ironie. Les artistes lui refusent la distance nécessaire pour le faire.

YOU, ME & YOU offre l’occasion pour le spectateur de considérer sa propre vie et ses relations, ses désirs, son besoin d’entrer en contact et de communiquer avec les autres, de raconter ses cancans, ne serait-ce qu’à lui-même, de se remémorer comment il en est arrivé là. Et le récit dans la vidéo se trouve ainsi augmenté, réduit, confronté…

Approaching Stillness s’intéresse au solstice d’été comme à une forme de métaphore enveloppante : c’est le moment où la lumière est à son zénith, où le jour est à son plus long et où le mouvement apparent du soleil s’immobilise, au nord comme au sud : sol (soleil) sistere (se tenir immobile).

Pour ce projet, Vida Simon et Tedi Tafel explorent la superposition d’installation, de dessins projectés et de mouvements à travers résidences dans la galerie et recherche en atelier tout au long de 2009-2010. Les artistes ont amorcé leur travail avec une série de questions : les performances pourraient-elles être des événements microcosmiques qui contiendraient tout le cycle créé par l’inclinaison de la terre, passant de l’obscurité à la lumière et de la lumière à l’obscurité? Comment cette recherche articule-t-elle les notions d’expansion et de contraction du temps et de l’espace? Et finalement, quel est le point de rencontre des actions performatives, quotidiennes et rituelles? C’est à l’intérieur de ces questions et suivant ces pistes que les artistes jouent, cherchent et développent leurs idées.

En juin, les artistes poursuivent leur exploration avec des questions plus précises : comment créer un événement où la relation public/performeur est mobile, de manière à ce que le public participe de plusieurs manières alors que la performance se joue dans différents points de l’espace (tant intérieurs qu’extérieurs) ? Comment l’espace peut-il être utilisé pour accumuler des actions, puis être déconstruit pour révéler la simplicité d’un moment ? Quelle est la relation entre la préparation d’une performance et la performance elle-même ? Comment peuvent-elles toutes deux faire partie de la présentation publique? Cette dernière résidence consistera en une exploration privée dans l’espace menant à une performance de longue durée au solstice d’été.

Le travail de Vida Simon allie le dessin, l'écriture, la fabrication d'objets, le son et les gestes, souvent combinés pour créer des installations et des performances en réponse au lieu. Une passion pour le dessin lie tous les aspects de sa pratique; c'est la forme qui exprime le plus directement son intérêt pour le conte visuel, la matérialité et la corporéité. Elle a présenté son travail dans plusieurs lieux au Canada et sur la scène internationale dont, tout récemment, le Chili et la Lithuanie.

L'artiste montréalaise Tedi Tafel possède une formation en cinéma et en danse. Elle présente son travail dans des lieux non traditionnels et explore les possibilités expressives du corps en contact direct avec des espaces ruraux, urbains et sauvages. Elle s'intéresse aux couches d'expérience situées juste sous la surface de nos manières habituelles de bouger et à la façon dont notre monde intérieur est inspiré et transformé par les lieux que nous habitons.

Texte par Andrew Frosst 

Emmanuel Galland et François Lalumière empruntent à la photographie, à la sculpture et au collage pour jouer avec l’espace architectural urbain à travers l’installation in situ Retourne-moi.

L’architectonique de l’édifice abritant le commerce « La Maison du peintre » et la galerie d’articule est symétrique : on peut parler ici d’effet miroir. Les artistes reproduisent la façade du magasin de peinture dans le « cadre » d’articule, créant ainsi un facsimilé tridimensionnel presque parfait. À croire que le magasin de peinture double sa surface. À moins qu’un tournage cinématographique ne déploie ses décors.

Tous les éléments composant la vitrine de « La Maison du Peintre » (autocollants, logos, grille, objets, néons, publicités, enseigne, etc.) sont répétés aussi fidèlement que possible, mais de façon inversée (copier / coller / flipper) et avec des matériaux recyclés. Poussant plus avant l’idée de décalage et de réinterprétation, les objets recréés sont recouverts de Duct Tape blanc : marques, inscriptions et couleurs, ainsi masquées, s’effacent. À l’enseigne de ce recyclage visuel complet, tout est factice : les artistes ne se revendiquant pas d’une logique illusionniste.

Avec Retourne-moi les deux artistes opèrent des glissements entre le patrimoine et sa préservation, la construction et la rénovation, le réel et son enregistrement, l’original et la copie, le familier et l’étrange, la magie et les trucages,  les faits et les souvenirs, la vérité et le leurre.

Emmanuel Galland est un artiste / commissaire et consultant en cultures et communications. Formé en arts plastiques et en histoire de l’art à l’Université de Montréal, il a exposé ses photographies et installations principalement dans le réseau des centres d’artistes et des musées au Québec. Son travail a remporté des prix et fait partie de plusieurs collections. Fortement impliqué dans le réseau de l’art, il a oeuvré au Centre d’art et de diffusion CLARK, à l’Espace Vidéographe, à MUTEK et au MAI. À une période d’hyperactivité à la fin du XXe siècle, suivent plusieurs saisons de jachère. Puis, ses engagements le mènent à fusionner ses compétences. À titre de consultant, il accompagne plusieurs artistes et organismes/événements culturels. Communicateur et rassembleur, il est aussi cofondateur du MTL ART MAP [www.pavilionprojects.com/map]. Tisser des liens et ne jamais être là où on l’attend caractérisent sa démarche plurielle.

Les collages, installations, sculptures et interventions urbaines de François Lalumière se remarquent par leur utilisation du Duct Tape (ruban gommé) qu’il travaille dans une palette de couleurs élargie. Sa démarche transhistorique aux préoccupations environnementales entremêle un intérêt pour la picturalité et l’ornementation. Il revisite tant les arts décoratifs que les motifs primitifs, les iconographies autochtones que l’abstraction géométrique. Intéressé par la création contemporaine dans son spectre le plus large, il a œuvré dans le milieu du design et de la mode auprès de Denis Gagnon, Azamit, Yso et pour l’hebdomadaire VOIR. Il a exposé à la Galerie FOFA avant de présenter l’exposition « CONTREBANDE / CONTRABAND » – accompagnée d’une publication – à la Galerie VAV. Il suit présentement le programme Studio Arts de l’Université Concordia.

Texte par Amber Berson

As part of the second edition of VIVA! Art action, articule presents an evening of performances at Bain St-Michel, highlighting the work by artists from different generations. The chosen artists have in common the use of simple and concise gestures in order to describe complex relationships of intimacy and its corporeal and mental boundaries. Working in the tradition of body art, Christian Messier from Québec executes a series of physically demanding actions limited by the interactions he can construct with common objects or materials. In the Duorama series, Paul Couillard & Ed Johnson from Toronto, similarly engage their bodies following a set of predetermined rules of actions, questioning issues of masculine identity and desire, futility and endurance. Monika Günther & Ruedi Schill from Switzerland, who have been performing collaboratively for close to 15 years, propose simple and poetic actions that respond to and reflect upon each other, revealing a profound interiority. Their work investigates the poetic, minimal or radically exuberant aspects of the structural analyses of perception.

Christian Messier lives and works in Quebec City. His performances have been presented in various countries in America, Europe and Asia as well as in many events in Quebec. Very active in his community, he also supports emerging performance artists, paints and works as a visual arts critic. He recently funded Punctum, a weekly webzine focusing on contemporary practices in Quebec City (www.punctum-qc.com).
www.pejucommunication.com/christianmessier.html

Toronto-based performance artists Paul Couillard and Ed Johnson have been collaborating since 2000. Together they have created more than 100 works in their ongoing Duorama series, presenting indoor and outdoor tableaux, interactive performances and socially provocative actions in various gallery, festival and site-specific contexts throughout North America and Europe.

Monika Günther, born in 1944 in Bad Hersfeld (Germany), has studied at the Art Academy in Düsseldorf, Germany, and has been presenting performances since 1980. Ruedi Schill, born in 1941 in Luzern (Switzerland), has graduated from the Art School F+F in Zürich Switzerland and has presented performances and actions since 1975. Both live in Luzern (Switzerland) and Essen (Germany). Since 1995, they have been working together and have presented their collaborative performance work in various countries throughout America, Europe and Asia. Since 1995, they are also teaching Performance Art at several Art Schools, and since 1998, they are directing the International Performance Art Turbine Giswil (Switzerland). In 2004, Günther and Schill won the Art Price of the town of Luzern (Switzerland).

Visual documents 

Discussion with Leila Sujir, Rajee Paña Jeji Shergill, and Sharlene Bamboat as part of MONITOR 8: New South Asian short film and video.

Presentation of Gerbes, furtive project by Denis Lessard presented as part of Springtemps.

Discussion - Shabnam Zeraati + farha najah

by Ariane Fairlie

In the mid-17th century the Académie Royale de Peinture et de Sculpture founded by the [French] King’s painters and sculptors established a genre hierarchy, all dominated by painting. In 2015, after the investiture of Prime Minister Justin Trudeau, his Minister of Canadian Heritage Mélanie Joly made “the digital” her hobbyhorse: the dissemination of Canadian content on digital platforms, the development of the digital arts industry. Compelled by evolution and progress, how can painting - one of the oldest mediums - be inserted into a contemporary art discourse in the digital era? Artists Gabriela Avila-Yiptong and Florence Yee pursue this question further.

Yee and Avila-Yiptong both completed their BFAs, where the importance of painting was continually reinforced through the art historical canon. They were attracted to landscape painting even before school, a typically Canadian tradition, but observed that the discussions around their work in exhibitions and critiques at school, were racialized although the work they were making did not specifically draw on their racial identity. They each chose to respond to this issue in a different way.

Having mostly discarded landscape painting, Yee’s work confronts and subverts expectations of East Asian narratives in North America through the lens of decolonial, feminist and critical race theories. Yee inserts her Cantonese-Canadian/Québécoise identity into the narrative with great conceptual skill and a sense of humour. She says she’s winking at people who share a similar experience through visual cues and common items she incorporates or employs in her work.

Avila-Yiptong, in contrast, creates work with the intention to shift the focus from culture/race. Her work is about her visual, emotional, and psychological experiences of nature. Shifting the conversation through the content of her work also serves to highlight the insistence of a racialized narrative when it happens, but allows her to have these conversations on a personal scale, which she prefers. She uses the ambiguity of her work as a way to experiment in her own autonomy to direct the discussions around her art to concepts of the sublime and human experiences of nature.

Both artists seek to insert their personal experiences into the medium of painting. Lack of nuanced representation of marginalized communities in painting, and recognition of the multi-faceted contributions of those communities to painting, is an urgent and contemporary issue. It’s no secret that white men have dominated painting and continue to do so today. Picasso, a known abuser and exoticizer of race who is championed for his genius, is showing here in Montreal at the Musée des Beaux Arts and internationally, pulling in nearly twice as much for a ticket to his special exhibition at the Tate Modern in London as a female artist’s retrospective showing concurrently[1]. These biases exist all the way down to the local level.

Painting holds a long and problematic history. Still, painting is appealing to both of these artists. For Avila-Yiptong painting is privileged as a medium that even those completely un-versed in art history can relate to. For Yee, painting is a means to undermine its own history and insert images of her cultural identity into the narrative. Yee and Avila-Yiptong manipulate the medium as a tool to their own advantage, moving painting forward into the future.

 Les définitions changent, les frontières bougent, les continents de l'esprit ne cessent de dériver. Comment fugitivement recomposer, relier, réarticuler ce monde fuyant et instable, mais formidablement vigoureux? Parce que l'incertitude et le doute sont autant de stimulants, le projet Springtemps invite à rebondir ailleurs et autrement. Les propositions des quatre artistes présentés s'inscrivent dans cette idée de changement, de renouveau.En plus des événements planifiés, articule se veut, pour toute la durée du projet, un lieu d'accueil, de production et d'échange ouvert aux initiatives spontanées. Cabinet de travail, matière à métamorphose, laboratoire de production, c’est le temps de partager des expériences, de débattre et d'inventer, ensemble. Chacun est invité à fêter ce printemps, toujours riche en rebondissements.

Sam kinsley (halifax)

Documentation visuelle du projet

Documentation of Les Faussaires

Emma-Kate Guimond, Kerri Flannigan, Kandis Friesen

Norman Nowrocki 

L'esthétique anarchiste: l'anarchie et l'art: 1865 - 2012

Soupe and Script

Zoe Stonyck animation

Hésitations -  Emily Hermant

Visual documentation of the exhibition Whose Toes by Barry Doupé

Kristi Ropeleski (montréal) Blue Skies

Léa Jeanmougin (marseille/montréal)

Je me souvenir - exposition des membres

Alain Lefebvre (montréal) - How can i tell the difference?

Brigitte Schuster (montréal) 

After years of going to K-Mart every day after he finished working, it seemed appropriate for the old man to die there. It was in the jewelry section in the centre of the store, where his heart stopped beating for good. Ever since his dad died at 60 of a heart attack at K-Mart, he thought that he would/should die at the same age, in the same way and at an equivalent place, such as Walmart or maybe Zellers.

Set around the homes of her parents in Mission BC, Sherry Walchuk’s work is extremely personal and deeply rooted in the desire to draw, paint and build stories. Out of the vernacular and the banal, Walchuk’s work tells stories that precariously take shape through bricolage and acts of trying. The exhibition For my Dad is dedicated to her father, for his upcoming 60th birthday. Inspired by the desire for and the attempt toward change, Walchuk creates a healing space, a warm space, a space of possibility and a space for the future as a gift to her dad for his potential impending death.

Working from memory and imagination, the cardboard spaces that she creates evoke sites of suburban leisure activity. Situated in the yard and outside of the home, where the rules loosen, these spaces become characters in Walchuk’s world. Ultimately, the humanity in these objects allows us to find humour in our own fumbling attempts to move through the world. It forces us to deal with and to be present in the insecurity of being and doing. The point is to make vulnerable, and to give pleasure.

Sherry Walchuk lives and works in Mission BC, and in Montreal QC, where she recently completed her MFA in Painting/Drawing at Concordia University.

Visual document

Documentation of the window project Beacon by Nadine Faraj.